优秀的动画人物设计，是作品成功的关键。它不仅仅是视觉形象的创造，更是赋予角色灵魂、驱动故事前进的核心。以下是业内大神们反复验证和推崇的15条核心技巧，无论你是初学者还是寻求突破的创作者，都值得深入思考和实践。
1. 核心：从故事出发，定义角色本质
角色为何存在？他/她的目标、恐惧、价值观是什么？在设计第一笔之前，必须深度理解角色的内心世界和叙事功能。性格决定外貌与举止。
2. 清晰的剪影识别度
将角色填充为纯黑色剪影。如果观众依然能清晰辨认出这是哪个角色，说明你的外形设计极具特色和辨识度。这是检验设计成功与否的第一关。
3. 善用形状语言
不同的基本形状能传递不同的心理感受：圆形（亲和、可爱、无害）、方形（稳重、可靠、固执）、三角形（尖锐、危险、狡黠）。用主导形状奠定角色的性格基调。
4. 夸张与简化
动画的魅力在于超越现实。抓住角色最突出的性格或生理特征（如大眼睛代表纯真，长鼻子代表好奇或狡诈），并进行合理的夸张和简化，使其更鲜明、更易被记住。
5. 比例的艺术
头身比、四肢长度、五官间距的微小调整，能创造出从Q版到写实，从英雄到反派的巨大跨度。非常规的比例往往能带来惊喜。
6. “可动画化”的设计
设计时要时刻考虑动画师如何让它动起来。过于复杂琐碎的细节会加大动画难度并分散注意力。确保线条流畅，结构清晰，关节部位明确。
7. 色彩传达情绪与身份
色彩心理学至关重要。为主角设定一套主题色，为反派设定另一套冲突色。注意色彩的饱和度和明度，它们直接影响角色的年龄感、状态和氛围。
8. 精心设计服装与配饰
服装是角色的第二层皮肤，应反映其职业、时代、性格乃至隐藏的故事（如破损的披风、珍贵的项链）。配饰可以成为角色的标志性符号。
9. 表情的广度与极限
设计角色时，不仅要画标准表情，更要探索其表情的极限——最夸张的大笑、最崩溃的哭泣、最狡黠的坏笑。这定义了角色的情感范围。
10. 动态线赋予生命感
即使在静态姿势中，也要通过一条或一组贯穿身体的动态线（S形、C形等）来营造动势和张力，让角色看起来随时准备行动，充满活力。
11. 反差萌与层次感
外在与内在的反差能制造巨大魅力（如彪悍外形下的温柔内心）。为角色加入一些矛盾或次要特质，能使其更加立体、真实和引人共鸣。
12. 考虑角色的“进化”
如果角色在故事中会成长或变化，在设计初期就要预留伏笔。例如，初期服装的朴素与后期战袍的华丽，应有逻辑上的关联与视觉上的对比。
13. 环境互动与功能性
角色的设计是否适应其所在的世界？生活在沙漠的种族可能有防风沙的装束，机械师的手套可能沾有油污。这些细节能极大地增强可信度。
14. 建立视觉对比的演员阵容
当多个角色同时出现时，要通过体形、高矮、胖瘦、颜色、风格形成差异化的组合，就像一支乐队需要不同的乐器，确保每个角色在群像中依然突出。
15. 收集灵感，但保持原创
大量观察现实生活、研究各类艺术、分析经典角色，从中汲取营养。但要将所有灵感咀嚼消化，融入自己的理解和故事需求，创造出独一无二的生命。
记住，技巧是工具，而情感与故事才是灵魂。最好的角色设计，是让观众在第一眼就产生好奇，在故事结束后仍久久难忘。不断练习，大胆尝试，你的角色终将在屏幕上获得生命。
